Sala San Miguel de la Fundación Caja Castellón (calle Enmedio, 17. Castelló).

Sesiones: viernes y sábado, 11 y 12 de junio, a partir de las 19:30 horas. Con la colaboración de la Consellería de Educación, Cultura y Deportes de la Generalitat Valenciana y la Diputación de Castellón

Entrada gratuita con reserva previa en cultura@fundacioncajacastellon.es • Información al teléfono 964 232 551. Uso obligatorio de mascarilla y cumplimiento de protocolos de seguridad en sala

El término inglés ‘performance’ es utilizado en las artes visuales, el teatro o la danza, entre otros, para indicar interpretación, actuación, rendimiento o evolución de una actividad. Este lenguaje artístico tiene como característica la utilización del cuerpo del artista como soporte y medio para la creación. La performance se desarrolla en el espacio y el tiempo, incluyendo a veces medios audiovisuales como proyección de videos, música o sonidos y la utilización de los más variados objetos; entre un sin fin de recursos propuestos por los artistas.

Además, aparece con la intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el mundo del arte, como una propuesta total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior.En España el arte de performance se encuentra en un proceso de crecimiento y efervescencia, se suceden festivales y encuentros como los organizados por sexto año consecutivo por la Fundación Caja Castellón bajo la dirección del performer Álvaro Terrones.

Álvaro Terrones Reigada (Castelló de la Plana, 1980), es artista e investigador especializado en performance y acción artística. Doctor en Bellas Artes (Universitat Politècnica de València, 2018), ha realizado estudios de posgrado en artes gráficas tradicionales, Malerei-Grafik und Zeichnung (Burg Giebichenstein Kunsthochschule, Halle, Alemania) y producción artística, pensamiento y cultura contemporánea (UPV). Como artista de acción ha participado en numerosos encuentros de performance e internacionales: AcciónMad (Madrid, España), RIAP (Québec), Art Nomade (Chicoutimi-Québec), Performance Art Bergen (Bergen, Noruega), Performance Art Oslo (Oslo, Noruega), Mother’s Tongue (Helsinki, Finlandia) o Performance art Meeting (Kassel, Alemania), entre otros. También destaca en su trayectoria diversas estancias de investigación como en el Centro de Litografía (Leipzig, Alemania), en el centro y editorial Le Le Lieu (Québec) y el Archivo Documentación Black Kit-Boris Nieslony (Colonia). En centros nacionales y exposiciones derivadas de su tesis en performance destacan las exposiciones colectivas en el MUSAC, El Museu de Belles Arts de Castelló y el Centro del Carmen de Cultura Contemporánea de València.

En su obra, el concepto del tiempo y su finitud es una temática constante, considerando la performance como un proceso consciente e interdisciplinar en el que se dan una serie de relaciones entre el artista y el objeto de interlocución. Su trabajo también se caracteriza por objetivar en fases el cronograma creativo y por la operatividad en escena de unas ideas que, previamente, ha planificado en coherencia a la comunidad y el contexto en el que manifiesta la acción. Actualmente es profesor de la asignatura de performance en la Facultad de Belles Arts y Máster de Producción Artística en la Universidad Politécnica de València.

Artistas viernes, 11 de junio
• Gloria Agnello (Palermo, Italia, 1996): Sonrisa orgánica
• Ariana Arce (Sollana, Valencia, 1999): De l’ocult… lo millor
• Aliénor Dedeurwaerdere (París, 1999): Poesía de Escala variación I

Artistas sábado 12 de junio
• Mar Cunyat (Alginet, 1994) y David Méndez (Oviedo, 1986): Memòria u oblit.
• David San (Moixent, 1999): Un poc millor
• Alejandro Ocaña (Vila-Real, Castellón, 1999): 3LRX20LNX3M

Gloria Agnello (Palermo, Italia, 1996): Sonrisa orgánica

Artista italiana formada en la Accademia di Belle Arti di Palermo (con estancia internacional universitaria en la Facultat de Belles Arts – UPV, materia performance periodo 2020-2021) cuya línea de investigación se centra, en términos generales, en la cuestión de la identidad. Sin embargo, en términos específicos, su trabajo se explica de forma antagonista a esa idea de identidad, oponiéndose al ideal de seguridad mediante “la indefinición esencial”. Podría decirse que la artista trabaja con sus acciones “la rebelión de la certeza descriptiva” reconfigurado los códigos con actos poéticos y rituales inventados. El ego indefinido sin destruir al ser es un paradigma complejo que, según la artista, no tiene la necesidad de definirse de forma específica ni tampoco precisa hacerlo. Puede que sea la potencia de esta convicción con respecto a este tipo de dilemas existenciales lo que permite que su ego sobreviva sin necesidad de definirse: polifacética es el adjetivo que comunica en la compleja tarea de explicar y presentarse en sociedad.

Esta misma diversidad de recursos puede apreciarse en la obra de Gloria Agnello. Durante la planificación de sus performances se precisa y necesita la experimentación, las permutaciones y variaciones, los cambios y los errores y las certezas que convergen en el cierre de la fase experimental. Y a pesar de esa seguridad estructural, el azar y la casualidad también son fundamentales en estos recursos y fenómenos que acomete de forma intuitiva; después, desde esas proposiciones, ensaya y estructura pacientemente las operaciones que desplegará en escena.

Ariana Arce (Sollana, Valencia, 1999): De l’ocult… lo millor

El objetivo de estudio relacionado con la obra de esta artista es tratar, sin concesiones y con plenitud, todos aquellos aspectos de las personas que permanecen más allá de la superficie; observar para después expresar mediante la acción poética y plástica los rasgos profundos y ocultos de los seres, siendo lo oculto, por consecuencia, también lo oscuro. Precisamente, esa carencia de luz, que hace de lo oculto algo descriptivamente equiparable a cómo se imagina “el mal” en sí, es el motivo por el que la artista se interesa también por investigar todos aquellos fenómenos que perturban la mente y el cuerpo; con este objetivo de “revelar” con sinceridad lo que habita más allá de la apariencia, sus obras, sus actos, sus soportes terminan precisamente somatizando la enfermedad mediante contorsiones y extremidades imposibles…

Con su obra, Ariana Arce incluye un elevado nivel de veracidad: pone forma, cuerpo y rostro sin artificios a lo aparente, destapa el velo que cubre, pone imagen a lo que no quiere mirarse, entrega el mensaje que no quiere escucharse. Y frente al ignorante encolerizado por haber sabido, asume con talante estoico la decapitación del mensajero y denuncia, con su sacrificio, al indolente de la felicidad imperturbable cuando este, en su perversidad, devuelve el dolor a “la lúcida que iluminó las oscuridades”; podría ser que esta artista no destape enfermedades mentales, sino “cainismos”.

Aliénor Dedeurwaerdere (París, 1999): Poesía de Escala variación I

Artista francesa formada en l’École des Beux-Arts de Nantes Saint-Nazaire (con estancia internacional universitaria en la Facultat de Belles Arts – UPV, materia performance periodo 2020-2021). Su línea de investigación se centra en el estudio del “cuerpo operacional” –término desarrollado durante su estancia en la materia de performance–, específicamente, en el análisis de “la colocación de los gestos” durante esas «operaciones poéticas”, y en el momento de la ejecución de estos mismos gestos en público. El Modus operandi de su performance está precedido, en la fase de ideación y planificación, por un estudio detallado del espacio, de las condiciones del lugar y de la escena, así como de las particularidades culturales y los rasgos sociales del contexto en el que se expresará. Lo demás… es site specific; obras diseñadas expresamente para el lugar.

Aliénor Dedeurwaerdere considera en su obra la cuantificación de su presencia a fin de elaborar imágenes poéticas con elementos que sobrepasen el conjunto de sus extremidades y las dimensiones de su cuerpo, articulándose en torno a volúmenes “masivos “ por medio de contorsiones, tensiones y equilibrios. Escoge minuciosamente objetos y materiales mayúsculos que, al escalarse y en comparación a ella, sobrepasen “la unidad”; “unificar” puede aplicarse, en realidad, a la actitud de una artista de performance que decide fusionar su volumen a otras formas; tal y como ella hace, desencadenando una expresión poética de manera extrema y enérgica, sin que por ello “nada estalle” en escena: más bien hablamos de un fenómeno de “deflagración” que se expande en comedida lentitud y calma.

Mar Cunyat (Alginet, 1994) y David Méndez (Oviedo, 1986): Memòria u oblit.

Dúo de artistas en el que los materiales y objetos son muy importantes en su obra, abordando a partir de ellos cuestiones personales y reflexiones sobre la relación que las personas mantienen con su entorno vital, con su hábitat. En esta concepción de la vida a partir del objeto, ambos plantean un ejercicio de apego por el hogar común y compartido, estableciendo para la vivencia un dialogo entre el cuerpo y el objeto anteriormente mencionado, expresando a partir de esa operación un lenguaje endémico y reconocible por quienes forman la comunidad. En este «gesto escultórico natal” se sirven de objetos encontrados y, en parte, de antiguas propiedades de sus mayores o antecesores, presentando con ello una genealogía de la materia endémica sin obviar la carga sentimental de todo aquello que manejan. Modifican e intervienen; las instalaciones de este dúo artístico se elaboran con respeto hacia “la física de los recuerdos”, re-inventando las prestaciones de las cosas encontradas, dando un nuevo uso a los objetos reciclados y haciendo, en definitiva, que lo que consideramos como “desechos” adquiera, con la poesía, un nuevo significado. Durante el proceso de recopilación de objetos también recurren a la fundición para crear nuevas formas, extrayendo el metal de las formas prefabricadas y dotando de una nueva portabilidad a esas materias. Mar Cunyat y David Méndez despliegan en escena un imaginario heredado que convierten en material original y propio, haciendo que las cosas se revitalicen sin perder por ello la huella que el usuario primigenio imprimió en esos útiles; En las intervenciones de sus instalaciones el público puede reconocerse rememorando, en un nuevo contexto, las experiencias de una vida pasada.

David San (Moixent, 1999): Un poc millor

El género, la sexualidad, la salud mental y las relaciones interpersonales son los puntos de interés de este artista, conceptos que elabora de forma recurrente en sus trabajos escultórico-escénicos. Cabe decir que, en la medida en la que estos temas le afectan directamente, –y en lo relativo a su propia identidad–, con sus acciones cuestiona cómo las personas decidimos expresar nuestro género y sexualidad y cómo el entorno más cercano percibe estas decisiones, desvelando mediante lo escultórico cómo el derecho y la convicción de elección también tienen un impacto directo sobre nuestra estética, nuestra apariencia, nuestra forma. En consecuencia, la expresión artística de la escultura y la práctica de la performance también se verá afectada por esa presión ambiental, opiniones, juicios, valoraciones que el artista asimila e incluye en su obra, haciendo del arte un medio de consenso –deseable comprensión mutua intercambiando conocimiento– entre lo viejo y lo nuevo, lo ortodoxo y heterodoxo; entre la desidia y la creatividad; en conclusión… la forma de tratar ese «impacto estético” que produce el entorno es reivindicar el intercambio de los valores enfrentados sin que ello suponga al perdida o disminución de la propia identidad, –definida por convicción y por determinación propia–.

Mediante su obra, David San formaliza de manera performativa la relación que tenemos con el mundo que nos rodea. En sus acciones, la exploración del propio cuerpo y el examen sobre sí mismo es una constante tratada como materia poética, siendo su identidad, sus emociones y sus dimensiones físicas –corporales– la única verdad que conoce y que se permite expresar en plenitud de convicción.

Alejandro Ocaña (Vila-Real, Castellón, 1999): 3LRX20LNX3M

El artista de Vila-Real habla el lenguaje de la escultura contemporánea y crea artefactos poéticos, constituidos por diferentes partes que interaccionan entre sí para un final determinado, –asociada esta finitud, generalmente, a la dimensión conceptual de la obra–. En su trabajo, la naturaleza física de la realidad contiene unas prestaciones siempre susceptibles de activarse… mediante el cuerpo. Escultura y performance, performances escultóricas o esculturas performativas (artefactos); la permutación entre los dos factores que definen la obra indica las variaciones de un oficio adquirido y por el momento “dominado”, con la capacidad de control justa para abrir puertas hasta ahora inéditas en estos dos campos de producción artística: Escultura-Performance art. En sus acciones, según el artista, “el cuerpo funciona como catalizador que dialoga con la materia y aprende de ella; el constante cambio de la acción durante su ejecución crea diversas imágenes que nos transportan a diferentes estadios mentales” (…) “abriendo así una resignificación” con la performance “de manera constante” y permanente, podría añadirse, aunque limitada por la finitud de la vacuidad, del tiempo biológico y de la historia de los otros (historia material y dialéctica, al fin y al cabo).

Con disposición expandida pero no diluida; Alejandro Ocaña opera la fisicidad del material con el objeto de variar su utilidad. A veces se permite incluso la pretensión de variar la naturaleza del material, una ambición desproporcionada con la realidad pero a la que no renuncia abordándola de manera lúdica e inventiva, pues para el empeño de empresas imposibles se necesita el conocimiento de uno mismo, a saber, las limitaciones o debilidades propias y las fortalezas del entorno, que a veces puede aparecer de manera primitiva y despiadada. Algo a lo que este artista ha aprendido a poner “una sonrisa” –y no de complicidad temerosa… sino de trascendencia–.

Fuente: Fundación Caja Castellón

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